Stor kongelig stil av Ludvig 14. Stor stil av kong Ludvig XIV

Tiden til Louis - XV og XVI - ga verden fantastiske møbler som fortsatt er aktuelle i dag. Vårt utvalg inkluderer de mest interessante moderne tolkningene av klassiske lenestoler og stoler i Louis-stil.

1. Lenestol og bord i stil med Louis XV, Silvano Grifoni, WWTS

En stol med rett rygg på tilsynelatende hengende ben (dette er XV) og en stol på rette ben med medaljongrygg (XVI). Begge alternativene er bare treff.

2. Louis XV i trendy tropisk trykk, Boiserie Italia

Tropene er et veldig fasjonabelt tema i interiørdesign i dag, og forfatterne av disse stolene var ikke redde for å kombinere en utskåret forgylt ramme og et moderne trykk i ett møbel. Det ble friskt!

3. Louis XVI i moteriktig blått, Coleccion Alexandra

Ved domstolen til Ludvig XVI ville slik polstring ha virket som et åpenbart brudd på protokollen: polstring med blomstermønstre, kranser, bånd og korn ble foreskrevet. Men nå til dags jacquardstripen på vanlig materiale oppfattes som klassisk versjon, egnet for stol i . Sånn er det!

4. Louis XV med flettet ryggstøtte og puter med lyst moderne mønster, Chelini

Denne stolen er veldig dyp, og på grunn av sin dybde er høyden på ryggstøtten "skjult". Faktisk er det ikke så lavt som det ser ut til. Men på grunn av denne effekten skapes en følelse av spesiell komfort og imposanthet av stolen. Det ser veldig trendy ut på grunn av kombinasjonen av en mørk ramme med et lyst tekstiltrykk.

5. Louis XV: eklektisk innflytelse, Colombo Mobili

Denne stolen har absolutt en gjenkjennelig historisk prototype: bena er rette. Med fløyter og medaljongrygg. Imidlertid indikerer lettheten i silhuetten og fordypningen under "medaljongen" at denne stolen ble laget i bildet og likheten til en ballstol fra slutten av 1800-tallet. Gjetningen bekreftes av den naturlige fargen på treet og det vinfargede fløyelssetet.

6. Ludvig XVI stil lenestol, Sengetøy

Denne stolen er veldig lik stolen - den historiske prototypen, men den er mye mer komfortabel, både i hovedsak og i utseende. Sterk og ganske bred (men ikke på bekostning av høflighet), den er designet for en moderne person med hans behov og ideer om komfort. Blomsten på baksiden er et klassisk design, passende for tiden, men den er kraftig forstørret og plassert i sentrum, i dagens ånd

7. Utemøbler, Flamant

Det ser ut til at denne stolen er helt moderne. Men ta en nærmere titt: flettet omslutter en ramme laget "basert på" Louis XV. Men de helt rette bena tilhører den neste æraen, Louis XVI. Det var forresten mange overgangsformer den gang (tross alt er stilendring en gradvis prosess), og i dag ser vi all den variasjonen av former og farger som postmodernismen er i stand til.

8. Louis XVI stil stoler, Modenese Gastone

Dette er bare ett eksempel på en postmoderne tilnærming til temaet. Det er ingen utskjæringer, formen er veldig lakonisk, bare den mest generelle tegn en stol i stil med Louis XVI: ryggen er en medaljong og – ikke engang rette, men «nesten» rette ben. Ja, det er allerede en liten bøyning, karakteristisk for moderne møbler. Slike stoler er stilistisk allsidige og passer perfekt inn i et moderne eklektisk interiør.

9. Berger, Moissonier

En koselig stol med "one-piece" armlener. En fransk lenestol med engelsk (eller rettere sagt skotsk) sjekk er perfekt for både stue og kontor. Dyr, stilig og samtidig upretensiøs ting.

10. Utskåret stol, Moissonier

En annen leder av "overgangsperioden". Vakre damer i 1700-tallskostymer (trykk på møbeltrekket) tilfører dette en teatralsk effekt.

11. Lenestol i stil med Louis XIV, Provasi

Ja, disse utskårne ben minner om de vridde bena til rektangulære stoler fra Louis XIVs tid. Komfortable proporsjoner - fra Louis XV-tiden. Polstringen spiller en viktig rolle i denne modellen: en ultramoderne monokrom løsning.

12. Paisley polstret lenestol, Provasi

(fra fransk "Grand maniere", Le style Louis Quatorze)

Den kunstneriske stilen til en av de mest livlige periodene i Frankrikes historie, "gullalderen" for fransk kunst i andre halvdel av 1600-tallet. Assosiert med regjeringen til kong Ludvig XIV (1643-1715), derav navnet. Denne stilen kombinerer elementer av klassisisme og. Med sin figurative struktur uttrykte "Grand Style" ideene om triumfen til sterk, absolutt kongemakt, nasjonal enhet, rikdom og velstand, derav tilnavnet "Le Grand".

I 1643 ble den fem år gamle arvingen til tronen, Ludvig XIV, Frankrikes overhode, og hans mor, dronning Anne av Østerrike, ble regent. Politikken ble bestemt av den første ministeren, den allmektige kardinal Mazarin. Til tross for folkets hat mot den italienske kardinalen og motvilje mot den "østerrikske dronningen", samlet ideen om behovet for varig absolutt makt som en uunnværlig betingelse for utviklingen av den franske nasjonen og foreningen av landet de ledende sinnene til tiden – politikere, adel, forfattere og kunstnere – rundt tronen. I 1655 uttalte den unge kongen den berømte setningen på et møte i parlamentet: "L"Etat, c"est moi!" ("State, det er meg!"). Og hoffmennene, ikke uten smiger, ga ham selvfølgelig kallenavnet "Roi Soleil" - "Solkonge" (som alltid skinner over Frankrike). Den "store stilen" skulle reflektere de nye idealene om absolutisme.

«Stylen til Ludvig XIV» la grunnlaget for internasjonal europeisk hoffkultur og sikret med sin triumf en vellykket formidling av ideene om klassisisme og kunstnerisk nyklassisistisk stil i andre halvdel av 1700-tallet - tidlig XIX V. i de fleste europeiske land. Annen viktigste funksjonen epoken for "Grand Style" er at det var på dette tidspunktet ideologien og formene for europeisk akademiskisme endelig tok form. I 1648, på initiativ av "kongens første maler" Lebrun, ble Royal Academy of Painting and Sculpture grunnlagt i Paris. I 1666 ble det franske malerakademiet opprettet i Roma. I 1671 ble Royal Academy of Architecture organisert i Paris. F. Blondel den eldre ble utnevnt til dens direktør, og A. Felibien ble utnevnt til sekretær. "Flott stil" krevde store penger. Det kongelige hoff, hoffaristokratiet, akademiene og den katolske kirke klarte å skape et miljø, i det minste innenfor hovedstadens radius, hvor dyre mesterverk oppsto. Først av alt var det nødvendig med bygging av grandiose arkitektoniske ensembler. De offisielle stillingene "arkitekt til kongen" og "første arkitekt til kongen" ble introdusert. Palassinteriøret fra den perioden var fullt av seremoniell prakt. Den nylig oppfunne stilen skulle glorifisere monarkens makt. Problemet ble løst enkelt: mer massivitet, utskjæring og forgylling. Ornamentet er strengt symmetrisk. Acanthusblader, frukter, skjell, masker og faunhoder ble kombinert med militære symboler. Til motivene inspirert av det gamle Roma (hjelmer og skjold) ble det lagt til tegnene til "solkongen": et strålende ansikt eller to sammenflettede bokstaver L. Håndverkere la sjenerøst inn møblene med ibenholt, kobber, tinn, skilpaddeskall og mor til- perle. De mest kjente verkene i denne teknikken ble laget av møbelsnekker Andre-Charles Boulle, og det er grunnen til at stilen noen ganger ganske enkelt kalles "Boulle".

En fremragende dekorativ kunstner av "Grand Style", som forutså rokokkostilen, var J. Veren den eldre. Han tegnet hofffestligheter, produksjoner av operaer av J.-B. Lully, en komponist av «Versailles-stilen», laget tegninger av møbler, interiørdesign og skipsdekorasjon. Initiativene til kong Louis XIV bidro til dannelsen av kunstsamlingen til Louvre. I 1662, etter ordre fra minister J.-B. Colbert, fra et enkelt verksted med ullfarger i utkanten av Paris, skapte "Royal Furniture Manufactory", eller Gobelin Manufactory. Ikke bare vevde tepper og gobeliner ble produsert der, men også møbler, mosaikk og bronsegjenstander. Ved begynnelsen av XVII-XVIII århundrer. Fransk kunst skapte ifølge samtidenes inntrykk en følelse av "uhemmet luksus og prakt." Coryverdures og enorme "bilde" billedvev med frodige kanter - kranser av blomster og frukt, emblemer og kartusjer, med vevde glitrende gull- og sølvtråder, okkuperte alle veggene. De tilsvarte ikke bare karakteren til "Grand Style"-interiørene, men satte tonen for dem.

I andre halvdel av 1600-tallet ble Frankrike en ledende europeisk makt. Vi måtte raskt ta igjen og overgå Italia, også når det gjelder smak og mote.

For denne anledningen, under Louis XIV (1643–1715), ble det til og med opprettet en spesiell avdeling med ansvar for alle typer kunst, ledet av maleren Charles Lebrun. Og så begynte det...

Palassinteriøret fra den perioden var fullt av seremoniell prakt. Den nylig oppfunne stilen skulle glorifisere monarkens makt. Problemet ble løst enkelt: mer massivitet, utskjæring og forgylling. Ornamentet er strengt symmetrisk. Acanthusblader, frukter, skjell, masker og favahoder. Det ble nylig kombinert med militære symboler. Til motivene inspirert av det gamle Roma (hjelmer og skjold) ble det lagt til tegnene til "solkongen": et strålende ansikt eller to sammenflettede bokstaver L. Håndverkere la sjenerøst inn møblene med ibenholt, kobber, tinn, skilpaddeskall og mor til- perle. De mest kjente verkene i denne teknikken ble laget av møbelsnekker Andre-Charles Boulle, og det er grunnen til at stilen noen ganger ganske enkelt kalles "Boulle". En bemerkelsesverdig detalj: bena på stolene og krakkene er forbundet med tverrstenger som danner bokstaven H eller senere X. Stolenes rygg er dekorert høy, og de lave setene er dekorert med frynser. I samme periode, komfortable møbler med skuffer. Dette er en kommode som har eliminert kommoder, samt et byrå. En annen oppfinnelse fra tiden er konsollbordet. Toppen av konsollbord er ofte laget av marmor eller foret med florentinske mosaikker, støttet av allegoriske figurer. (Slike konsoller finner du i foajeene på mange luksushoteller, samt i hus hvor de vanligvis holder mottakelser.) En sofa dukker også opp som ser ut som flere lenestoler satt sammen. Ved slutten av perioden mister imidlertid interiøret sin pomp og nåde, noe som varsler de påfølgende stilene til Regency og Louis XV.


Kommoden ser ut til å være helt laget av intarsia, bronse og forgylling. Antik salong Segoura, Paris	Antikke skrivebordsgalleri Kraemer, Paris
	Konsoll, 1600-tallet. Fra samlingen til antikksalongen Perrin, Paris
	Barokk er den mest radikale av stilene som er motsatt av minimalisme. Denne typen olje er oljeaktig. Når det er intarsia, og bronse overlays, og forgylling, og marmor, og skulptur. Massiviteten til kabinettet er fantastisk. Arbeidets travle natur er beundringsverdig. Men det som tiltrekker øyet mest av alt, er atlanternes muskuløse og uttrykksfulle positurer. Som om de var i ferd med å sprekke. Andre halvdel av 1600-tallet, Frankrike

Et karakteristisk trekk ved stilen: marquetry dekorerer overflaten av møbler så rikt at det ser ut som maleri. Motivene er svært forskjellige: fra blomster og blomster til militære, gresk-romerske. Bena på skapet var massive, firkantede tilsynelatende, mesteren syntes ikke det var elegant nok, så han plasserte et par høflige ben laget av forgylt bronse foran.


	Møblene er dekket med fløyel (for det meste mørkerød "kongelig" farge), billedvev og silke. De foretrekker blomstermønstre, kontrasterende og lyse farger. Kopistoffer produsert av Prelle

Kommode med mønstret marquetry, skulpturerte utskårne detaljer og forgylt metalloverlegg. Produsert av CMT	Eske, sølv, sølvbelagt. Paris, 1704–1712. Fra samlingen til De Leye, Brussel

I de første årene av Ludvig XIVs regjeringstid satt adelen i lenestoler som minnet om kongens forgjengers tid, men i den nye interiørsammenhengen så de friske ut Below Armchair, laget av Angelo Cappellini	Konsoll (med marmortopp) i Louis XIV-stil. Eliminer det. ting av stor skjønnhet. En nøyaktig kopi av palasset, produsert av Provasi

Stor stil- (fransk "Grand maniere", Le style Louis Quatorze) - kunststil en av de mest slående periodene i Frankrikes historie, "gullalderen" for fransk kunst i andre halvdel av 1600-tallet.

Assosiert med regjeringen til kong Ludvig XIV (1643-1715), derav navnet. Denne stilen kombinerer elementer av klassisisme og barokk. Med sin figurative struktur uttrykte "Grand Style" ideene om triumfen til sterk, absolutt kongemakt, nasjonal enhet, rikdom og velstand, derav dens epitet " Le Grand».

I 1643 befant den fem år gamle tronarvingen seg i spissen for Frankrike Ludvig XIV, hans mor, dronning Anne av Østerrike, ble regent. Politikken ble bestemt av den første ministeren, den allmektige kardinal Mazarin. Til tross for folkets hat mot den italienske kardinalen og motvilje mot den "østerrikske dronningen", samlet ideen om behovet for varig absolutt makt som en uunnværlig betingelse for utviklingen av den franske nasjonen og foreningen av landet de ledende sinnene til tiden – politikere, adel, forfattere og kunstnere – rundt tronen. I 1655 uttalte den unge kongen den berømte setningen på et møte i parlamentet: " L"Etat, c"est moi! ("State, det er meg!"). Og hoffmennene, ikke uten smiger, ga ham selvfølgelig kallenavnet " Roi Soleil" - "Solkongen" (som alltid skinner over Frankrike). Solkongens finansminister J.-B. Colbert"overvåket" utviklingen av arkitektur og aktivitetene til akademiene. I 1663 organiserte Colbert " Academy of Inscriptions", spesielt for å komponere inskripsjoner for monumenter og medaljer som forherliger kongen. Kunst ble erklært som et statlig anliggende. Kunstnere fikk direkte instruksjoner om å glorifisere ubegrenset kongemakt, uavhengig av midler.

Estetiske idealer

Den "store stilen" skulle reflektere de nye idealene om absolutisme. Han kunne bare være det Klassisisme, assosiert med storheten til de gamle grekerne og romerne: den franske kongen ble sammenlignet med Julius Caesar og Alexander den store. Men streng og rasjonell klassisisme virket utilstrekkelig storslått til å uttrykke triumfen til et absolutt monarki. I Italia på den tiden dominerte stilen Barokk. Derfor er det naturlig at franske kunstnere vendte seg til formene for moderne italiensk barokk. Men i Frankrike kunne ikke barokken vokse ut av klassisismens arkitektur like kraftig som i Italia.

Siden epoken Fransk renessanse XVI århundre Her i landet ble klassisismens idealer etablert, hvis innflytelse på kunstens utvikling ikke ble svekket før på slutten av 1800-tallet. Dette er hovedtrekket til " fransk stil" I tillegg slo klassisistiske former rot på en annen jord enn i Italia, fra de sterke nasjonale tradisjonene i romansk og gotisk kunst. Dette forklarer hvorfor bare individuelle elementer ble lånt fra den italienske barokken, mens de viktigste formative prinsippene for kunsten fra Louis XIVs tid forble klassisismens ideer. I utformingen av bygningsfasader ble den strenge klassisistiske ordensdesignen til veggene bevart, men barokke elementer var til stede i interiørdetaljene, espalier og møbler.

Innflytelsen fra statsideologien var så stor at fra den tid av begynte individuelle stadier i utviklingen av kunst i Frankrike å bli utpekt ved navn på konger: stilen til Louis XIV, stilen til Louis XV, stilen til Louis XVI. . Skikken med dette navnet ble senere reversert tilbake til tiden før Ludvig XIVs regjeringstid. Et annet viktig trekk ved epoken var at det var i Frankrike i andre halvdel av 1600-tallet selve begrepet kunstnerisk stil tok form. Før dette, i Italia, ble klassisismens ideer, som nettopp begynte å ta form, umiddelbart erstattet av mannerisme og barokk.

Klassisismen som en kunstnerisk bevegelse tok form i Frankrike og siden da, ikke Roma, men Paris begynte å diktere mote i kunsten og dens rolle ble ikke svekket i løpet av de påfølgende 1700-, 1800- og 1900-tallet. For første gang i historien, i Frankrike under Ludvig XIVs tid, begynte stilen å bli anerkjent som den viktigste kategorien av kunst, estetikk, og ble normen for livet, hverdagen og moralen, og gjennomsyret alle aspekter av rettsetiketten ( et ord som også dukket opp ved hoffet til Ludvig XIV). Sammen med bevisstheten om stil kommer estetisering av individuelle formelle elementer, dyrking av smak og en "sans for detaljer." Denne funksjonen har blitt en tradisjon, som i løpet av flere tiår har skapt en spesiell "formfølelse", plastisk kultur og finesse i tenkning som er iboende spesifikt i den franske skolen. Men denne kulturen utviklet seg ikke lett. Til å begynne med ble renessansens ideal om en holistisk, statisk, selvbalansert form (noe rystet av manerisme og barokk) erstattet av ideen om estetisering av "tilfeldige gleder" og individuelle måter å oppnå skjønnhet: linje, maling, tekstur av materiale. I stedet for kategorien komposisjon (compositio), fremsatt av den italienske arkitekten og teoretikeren L. B. Alberti, introduseres begrepet «blandet sammensetning» (lat. mixtum compositura). Denne fragmenteringen begynte med italienske manneristkunstnere som jobbet ved hoffet til Francis I og deretter Henry II ved skolen i Fontainebleau. Deres franske studenter, som jobbet i grevene og kongeslottene langs elven. Loire og i selve Paris dannet etter hvert en aristokratisk formkultur, som senere lyste i rokokkostilen på 1700-tallet, men den bar sine første frukter på 1600-tallet. "Kanskje innflytelsen fra fransk kunst på livet til de øvre lagene i det europeiske, inkludert det russiske samfunnet, var sterkere på 1700-tallet, men grunnlaget for det franske språkets overlegenhet, oppførsel, moter og gleder ble utvilsomt lagt av tid for «solkongen».

Det er ingen tilfeldighet at andre halvdel av 1600-tallet kalles «den mest strålende perioden i fransk historie». De vanligste ordene, ofte gjentatt i memoarer og estetiske avhandlinger fra den tiden: stor, storhet, luksuriøs, festlig ... Sannsynligvis skapte prakten til hoffkunstens stil inntrykk av en "evig feiring av livet." I følge den berømte memoaristen Madame de Sevigne var hoffet til Ludvig XIV alltid "i en tilstand av fornøyelse og kunst"... Kongen "hører alltid på en slags musikk, veldig hyggelig. Han snakker med damene som er vant til denne æren... Festlighetene fortsetter hver dag og midnatt.» I det "strålende syttende århundre" ble stil, etikette og måte en ekte mani. Derav moten for speil og memoarer. Folk ønsket å se seg selv utenfra, å bli tilskuere av sin egen positur. Blomstringen av hoffportrettkunsten lot ikke vente på seg. Luksusen med palassmottakelser overrasket utsendingene til europeiske domstoler.

I Grand Gallery of Palace of Versailles ble tusenvis av stearinlys tent, reflektert i speilene, og kjolene til hoffdamene var «så fulle av juveler og gull at de nesten ikke kunne gå». Ingen av de europeiske statene våget å konkurrere med Frankrike, som da var på toppen av sin glans. "Big Style" dukket opp til rett tid og på rett sted. Det reflekterte nøyaktig innholdet i epoken - men ikke dens faktiske tilstand, men sinnets stemning. Kongen selv hadde liten interesse for kunst, han førte ærefulle kriger som utmattet statens styrke. Og folk så ut til å prøve å ikke legge merke til dette, de ønsket å se ut slik de så ut for seg selv i fantasien. Hvilken arroganse! Når man studerer denne epoken, får man følelsen av at dens største kunstnere var skreddere og frisører. Men over tid har historien satt alt på sin plass, og bevart for oss de store verkene til arkitekter, skulptører, tegnere og gravører. Manien for stil og den franske "store måten" spredte seg raskt over hele Europa, og overvant diplomatiske og regjeringsbarrierer. Kunstens kraft viste seg å være sterkere enn våpen, og Berlin, Wien og til og med prim London kapitulerte for den.

Grunnleggende stilprinsipper

"Louis XIV-stil" la grunnlaget for internasjonal europeisk domstolskultur og sikret med sin triumf en vellykket formidling av ideer Klassisisme og kunstnerisk stil Nyklassisisme i andre halvdel av det 18. - tidlige 19. århundre. i de fleste europeiske land. Et annet viktig trekk ved den «Grand Style»-æraen er at det var på denne tiden at ideologien og formene for europeisk akademisisme endelig tok form. I 1648, på initiativ av "kongens første maler" Lebrun, Royal Academy of Painting and Sculpture. I 1666 ble det franske malerakademiet opprettet i Roma. I 1671 ble det organisert i Paris Royal Academy of Architecture. F. Blondel den eldre ble utnevnt til dens direktør, og A. Felibien ble utnevnt til sekretær. "Big style" krevde store penger. Det kongelige hoff, hoffaristokratiet, akademiene og den katolske kirke klarte å skape et miljø, i det minste innenfor hovedstadens radius, hvor dyre mesterverk oppsto. Først av alt var det nødvendig med bygging av grandiose arkitektoniske ensembler. De offisielle stillingene "arkitekt til kongen" og "første arkitekt til kongen" ble introdusert.

Alle byggearbeid var i domstolens avdeling. I 1655-1661. arkitekt L. Levo bygget for N. Fouquet, "kongelig kontrollør av økonomi", Palace of Vaux-le-Vicomte. Vanlig stil park ødelagt A. Lenotre, strålende dekorert interiør Ch. Lebrun. Palasset og parken forårsaket så mye intens misunnelse Kong Louis, at minister Fouquet ble kastet i fengsel på det første påskuddet, og Levo og Le Nôtre ble beordret til å bygge noe mer grandiost i Paris og Versailles. I 1664-1674. Byggingen av den østlige fasaden fullførte det arkitektoniske ensemblet til Louvre, den viktigste kongelige residensen i Paris. Den østlige fasaden kalles "Colonnade of the Louvre" på grunn av den kraftige raden med doble kolonner i "den store ordenen". Kolonner med korintiske hovedsteder hevet ovenfor første etasje og spenner over andre og tredje etasje, og skaper et kraftig, stramt og majestetisk bilde. Kolonnaden strekker seg 173 meter. Historien om opprettelsen av dette mesterverket er interessant. Den enestående mesteren av den modne romerske barokken, J. L. Bernini, ble invitert til å delta i konkurransen. Han presenterte et barokkprosjekt med forseggjort buede fasader, rike på mange dekorative elementer, men franskmennene foretrakk sine egne, hjemlige, mer strenge og klassiske. Forfatteren viste seg ikke å være en profesjonell byggmester, men en lege som var interessert i arkitektur og oversatte på fritiden til fransk avhandling av Vitruvius. Det var C. Perrault. Han forsvarte utelukkende de eldgamle, eldgamle italienske grunnlagene for klassisistisk arkitektur. Sammen med C. Perrault deltok F. de Orbe og L. Levo i byggingen av Louvre, som skapte de nye nordlige og sørlige fløyene til palasset.

Under Ludvig XIVs regjeringstid ble arkitekten og festningsmannen S. de Vauban berømt, han bygde over tretti nye befestede byer og rekonstruerte mange gamle. L. Levo ble forfatteren av to fremragende bygninger som hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av arkitekturen til europeisk klassisisme: Hotel Lambert(1645) og ensemblet " College of the Four Nations» (« Institutt for Frankrike"; 1661-1665). Nær College de France i 1635-1642. arkitekten J. Lemercier bygde Sorbonne-kirken med en fasade i italiensk barokkstil (den inneholder graven til kardinal Richelieu, rektor ved universitetet). Som Collège de France-kapellet er Sorbonne-kirken kronet med en "fransk kuppel", uvanlig for den tiden. I 1671-1676. L. Bruan reiste et kompleks av bygninger for Invalides for krigsveteraner på venstre bredd av Seinen. I 1679-1706. arkitekt J. Hardouin Mansart kompletterte dette ensemblet med sitt mesterverk - Invalides kirke. Kuppelen med forgylte ornamenter, "lanterne" og spir er synlige på avstand. Kirkene ved Institutt for Frankrike, Sorbonne og Invalides var en ny type klassisistisk bygning, sentrisk i plan, med en portiko, trekantet pediment og kuppel på en trommel med søyler eller pilastre. Denne komposisjonen - den såkalte "franske ordningen" - dannet grunnlaget for mange påfølgende arkitekturverk av europeisk klassisisme på 1700- og 1800-tallet, inkludert i Russland. I 1685-1701 opprettet i henhold til prosjektet til J. Hardouin-Mansart i sentrum av Paris Plasser Louis den store(senere - Place Vendôme). Rektangulært i plan, med kuttede hjørner, ble det tenkt som et seremonielt ensemble til ære for solkongen. I sentrum sto en rytterstatue av Ludvig XIV av F. Girardon (1683-1699); ødelagt under revolusjonen i 1789. Fasadene til bygningene som rammer inn torget har samme type portikoer, noe som gir komposisjonen integritet og fullstendighet. Et annet torg til ære for kongen, også designet av J. Hardouin-Mansart, er " Seiersplassen«(Place des Victoires) ble opprettet i 1685. Det var dekorert med rytterstatue av Ludvig XIV verk av en nederlandsk billedhugger M. fan Len Bogart(kallenavnet Desjardins); ødelagt under revolusjonen i 1792 (restaurert av M. Bosio i 1822; se Cavallo).

I 1672, i henhold til utformingen av lederen av Royal Academy of Architecture, F. Blondel den eldre, ble den reist til ære for seirene til franske våpen - kryssingen av hæren til kong Louis over Rhinen. Blondel tenkte om formen til den romerske triumfbuen og skapte en ny type struktur, "Grand Style". Basrelieffene av buen, basert på skissene til Charles Lebrun, ble laget av skulptørene Angier-brødrene. Siden 1676 utviklet Blondel en ny generell plan Paris, som sørget for opprettelsen av store arkitektoniske ensembler og perspektiver. F. Blondel var en fremragende teoretiker i sitt "Course of Architecture" (1675), han hevdet at grunnlaget for den klassisistiske stilen ikke ligger "i etterligning av Roma", men i rasjonell tenkning og nøyaktig beregning av proporsjoner. Skaperen av Colonnaden of Louvre, C. Perrault, kranglet med ham. I 1691 ble en annen teoretisk avhandling under samme tittel: "Course of Architecture" utgitt av Sh.-A. de Aviler. I 1682 forlot Ludvig XIV Paris og domstolen flyttet til en forstadsbolig -.

Denne gesten blir sett på som kongens ønske om å skape en ny strålende hovedstad, som kun er forbundet med navnet hans. Blant skulptørene av "Grand Style", F. Girardon, A. Coisevo, N. Coustu (hvis yngre bror er kjent for gruppene av "Marly-hester"), P. Puget, J. Sarazin, J.-B. Rør. Under Ludvig XIVs regjeringstid arbeidet to fremragende malere: C. Lorrain og N. Poussin. De jobbet i Italia og var i deres ambisjoner langt fra den pompøse "Big Style". En overbevist romanforfatter, C. Lorrain er en landskapsmaler, lyriker og romantisk. N. Poussin skapte mesterverk som legemliggjør ideene om "ren" romersk klassisisme, som også romantisk legemliggjør antikkens harmoni. Til tross for kongens krav, ønsket ikke Poussin å jobbe i Frankrike og være hoffmaler. Derfor ble laurbærene til en hoffmaler først vunnet av den kalde og kjedelige akademikeren S. Vuz, og deretter av hans student P. Mignard. I løpet av de samme årene blusset den berømte striden mellom "Poussinistene" (tilhengere av klassisismen) og "Rubenistene" (tilhengere av barokken) opp. Ved Royal Academy of Painting ble "Poussinistene" støttet av C. Lebrun, og "Rubenistene" av P. Mignard og Roger de Pille. Ch. Lebrun æret Raphael og Poussin og dedikerte spesielle forelesninger ved akademiet til disse kunstnerne; i 1642 fulgte han med Poussin til Italia og arbeidet en tid ved siden av ham i Roma. Men det er karakteristisk at "Poussin-Rubens" (klassisisme-barokk) dilemmaet, reflektert innenfor veggene til Paris-akademiet av Lebrun-Mignard-konfrontasjonen, mistet sin mening, så likt var det akademiske maleriet: akademiskismen utjevnet forskjellene i stil. . Rettsportrettene av «den store statuetten, eller høye, stilen» skapt av S. Vouet og P. Mignard kalles noen ganger «barokkakademisk». Fra veggene til Apollo-galleriet i Louvre ser franske konger og datidens beste kunstnere i Frankrike på oss - i alle portrettene er det et merkbart foraktende, nedlatende uttrykk, og i ansiktet til solkongen (portrett av Lebrun) er det en foraktelig grimase. Det samme uttrykket er i et verk med storslått maleri og komposisjon - et portrett av Ludvig XIV av I. Rigaud. De fleste av maleriene til "kongens første maler", Ch Lebrun, er de kjedeligste eksemplene på akademisk klassisisme.

Louvre har Stor sal, helt fylt med enorme lerreter av Charles Lebrun, er det uutholdelig å se på dem. Samtidig er «Portrait of Chancellor Seguier» (1661), hans eget verk, et meget utsøkt verk når det gjelder maleri. Disse motsetningene gjenspeiler nyansene i Grand Style-æraen. Et betydelig bidrag til kunsten å seremonielle portretter i "statuary stil" ble gitt av fremragende gravører J. Morin, C. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelinck. Maleren N. de Largilliere, som i likhet med mange andre portrettmalere arbeidet under påvirkning av A. Van Dyck, malte sekulære skjønnheter i form av eldgamle gudinner og nymfer på bakgrunn av et skoglandskap, som forutså trekkene til Rokokkostil fra midten av neste århundre. På 1600-tallet I Frankrike ble de beste verkene innen sjangeren ornamental gravering skapt, for å si det mildt: sjangeren selv ble skapt. Komposisjoner av J. Lepôtre, D. Marot den eldste og J. Marot den eldre, samlet i store album ("Vaser", "Portals", "Plafonds", "Cartouches", "Peisene", "Borders") demonstrerte perfekt hovedtrekk "Grand Style", spredte de seg til mange land og hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av dekorativ kunst i hele Europa. Ved å jobbe i denne sjangeren ble artistene ikke regulert av handlingen og kundenes krav, de ga fritt spillerom til fantasien, og utarbeidet individuelle formelle elementer i stilen til perfeksjon.

Manifestasjon av "Big Style" i innredning

En fremragende dekorativ kunstner av Grand Style, som forutså rokokkostilen, var J. Veren den eldre. Han tegnet hofffestligheter, produksjoner av operaer av J.-B. Lully, komponisten av "Versailles-stilen", laget tegninger av møbler, interiørdesign og skipsdekorasjon. I løpet av de samme årene ble den grandiose planen til Ludvig XIV utført: å lage graveringer av alle betydelige kunstverk skapt i Frankrike under hans regjeringstid og plassert i kongelige samlinger. En idé verdig "Big Style"! Et slikt kunstnerisk leksikon begynte å bli utarbeidet i 1663 og ble utgitt i album med kobberstikk "in folio" (latin for "i ark", dvs. stort format) i 1677-1683. Graveringene gjengir malerier, skulpturer, kongelige billedvev, samlinger av medaljer, mynter, cameoer, utsikt over kongelige palasser og slott. I 1727 og 1734 ble disse seriene publisert igjen under navnet "Royal Cabinet" (en lignende serie ble opprettet i 1729-1742 under ledelse av P. Crozat). Initiativene til kong Ludvig XIV bidro til dannelsen av Louvres kunstsamling. I 1662, etter ordre fra minister J.-B. Colbert, fra et enkelt verksted med ullfarger i utkanten av Paris, skapte "Royal Furniture Manufactory", eller Gobelin Manufactory.

Ikke bare vevde tepper og gobeliner ble produsert der, men også møbler, mosaikk og bronsegjenstander. Beauvais-fabrikken opererte fra 1664, Aubusson fra 1665 og Savonnerie fra 1624. Ved begynnelsen av XVII-XVIII århundrer. Fransk kunst skapte ifølge samtidenes inntrykk en følelse av "uhemmet luksus og prakt." Coryverdures og enorme "bilde" billedvev med frodige kanter - kranser av blomster og frukt, emblemer og kartusjer, med vevde glitrende gull- og sølvtråder, okkuperte alle veggene. De tilsvarte ikke bare karakteren til "Big Style"-interiørene, men satte tonen for dem. Hovedkunstneren til Gobelin-fabrikken var C. Lebrun. Den mest kjente serien med billedvev basert på pappene hans er "The Months, or Royal Castles" (1666), der Lebrun vellykket kombinerte " klassisk stil Raphael med den barokke pompen til Rubens." Fra 1668 til 1682 serien på tolv tepper ble gjentatt syv ganger. Andre serier, også basert på Lebruns papp, ble kjent: "The History of Louis XIV", "The Elements, or the Seasons", "The History of Alexander the Great". Frankrike har aldri kjent en slik overflod av mesterverk av dekorativ kunst. En begivenhet i møbelkunsten var originalverkene til den fremragende mester A.-S. Bullya. De monumentale skapene og kommodene til arbeidet hans med forgylte bronseoverlegg og intarsia, rike på farger og tekstur, tilsvarte storheten til seremonielle palassinteriør. På 1600-tallet, i tillegg til fløyel og silke, ble blonder et obligatorisk tilbehør, ikke bare for kvinners, men også for menns kostymer.

Til å begynne med ble flamske blonder og venetiansk guipure importert til Frankrike. I 1665 ble det grunnlagt et verksted i Alençon, hvor lokale håndverkere ble opplært av venetianske blondemakere. Snart begynte Alençon guipure å bli kalt "point de France" ("fransk sting"). Ved et spesielt dekret forpliktet kong Ludvig sine hoffmenn til å bære kun franske blonder. De ble preget av et spesielt fint, utsøkt mønster. Hofjuvelereren til Ludvig XIV var sølvsmeden C. Ballen den første. Han skapte bestikk og støpte sølvmøbler for Versailles. Disse arbeidene varte ikke lenge. I 1689, på grunn av statens økonomiske vanskeligheter, utstedte kongen et "dekret mot luksus" om nedsmelting av alle gull- og sølvgjenstander til mynter. Et stort antall unike verk gikk tapt. Men kongen hadde fortsatt ikke nok penger og dekretet ble gjentatt i 1700. Som et resultat ble det påført smykkekunsten i Frankrike enorm skade, men samtidig bidro dekretene til fremveksten av fajanseproduksjon i Rouen og Moustiers . Sølvtøy skulle erstattes med keramikk. Slik oppsto den unike "strålende stilen" til å male på Rouen-fajansen. Slutten av 1600-tallet var også storhetstiden til silkebroderikunsten. Den "store stilen" fra solkongens æra skapte en annen fransk tradisjon. Kvinner begynte å sette tonen i kunsten. Mange originale kunstneriske ideer ble ikke født på tronen, men i salongene (dette ordet dukket også opp på 1600-tallet), aristokratiske salonger og boudoarer av kongens favoritter: fra 1661, Mademoiselle de Lavalliere, i 1668-1678 - F. de Montespan . Marquise Françoise Athenais de Montespan (1641-1707) var en representant for en gammel aristokratisk familie. Mange kunstnere skylder sitt velvære til hennes utdannelse, subtile smak og kjærlighet til kunst. I 1678 vakte Marie Angelica de Fontanges (1661-1681) kongens oppmerksomhet. Dens innflytelse forklarer fremveksten av nye modeller av klær, frisyrer og smykker. Så en dag under en kongelig jakt falt håret til hertuginnen de Fontanges og hun bandt håret med et bånd. Kongen uttrykte beundring, og snart begynte alle hoffdamene å bære frisyren sin "Fontange" ("a La Fontanges").

I 1684, etter dronningens død, giftet Ludvig XIV seg i hemmelighet med markisen Françoise de Maintenon (1635-1719). Markisen ble preget av sin fromhet og ble med årene mer og mer underlagt påvirkningen fra sine katolske bekjennere. Gjennom henne bestemte kirken seg for å omvende Louis til fromhetens vei. Derfor ble hele andre halvdel av regjeringen malt i harde toner og fant sted i en atmosfære av "generell motløshet." Det antas også at det var under påvirkning av den troende katolske Maintenon at kongen bestemte seg for å oppheve Ediktet av Nantes i 1685. Dette ediktet, utstedt av Henry IV tilbake i 1598, garanterte religionsfrihet i Frankrike. Med dens avskaffelse ble en betydelig del av gullsmedene, pregerne, emaljererne, keramikerne, veverne, som var tidligere protestanter, tvunget til å forlate Frankrike for alltid. Etter å ha flyttet til Tyskland, England, Holland og Sveits, ga disse mesterne et betydelig bidrag til utviklingen av dekorativ og anvendt kunst i disse landene. Etter opphevelsen av Nantes-ediktet ble det observert en nedgang i det kunstneriske livet i Frankrike. På slutten av 1600-tallet. "Den store stilen" hadde helt klart uttømt sine muligheter, den franske kunstens "gullalder" tok slutt for å vike for kammeret og litt sliten kunst fra Regency-stilen på begynnelsen av 1700-tallet. Men nettopp fra 1600-tallet. Klassisismens ideer begynte å spre seg i Europa. Disse ideene var i stand til å ta form til en internasjonal kunstnerisk stil først fra midten av 1700-tallet. For Frankrike, etter den klassiske kunsten fra renessansen på 1500-tallet. og "Grand Style" på 1600-tallet, dette var allerede den tredje bølgen av klassisisme, derfor kalles den kunstneriske stilen til fransk kunst fra andre halvdel av 1700-tallet nyklassisisme, mens den i forhold til andre europeiske land ganske enkelt er Klassisisme.

Presentasjonen ble laget for leksjonen "Klassisisme" i henhold til kurset til Emokhonova (MHC 11. klasse). Men dette materialet kan brukes i generelle historietimer og i Ekstrautdanning. Inneholder et stort antall illustrasjoner. Designet for elever på ungdoms- og videregående skoler. Forfatteren har med suksess brukt det i leksjoner i flere år.

Nedlasting:

Forhåndsvisning:

For å bruke forhåndsvisninger av presentasjoner, opprett en konto for deg selv ( regnskap) Google og logg inn: https://accounts.google.com

Lysbildetekster:

Klassisisme: Klassisismens kunst, Louis XIVs store kongelige stil Leksjonsplan Hva er klassisisme? Hva er Grand Royal Style? Ledende arkitekter av fransk klassisisme Solkongen som et kunstverk Kunstnere av fransk klassisisme Hele det syttende århundre... Konklusjoner... La oss teste oss selv? Presentasjonen ble laget av læreren ved MHC GBOU School 1164 Geraskina E.V. Moskva

Klassisisme er det andre stilsystemet på 1600-tallet Som stil oppstod klassisismen i England og Holland (landene der de første borgerlige revolusjonene fant sted). Men klassisismen får en spesiell betydning i Frankrike. Resultatet av den brutale, blodige kampen mot føydal separatisme for sentralisert makt var absolutismens seier. Fanatisk religiøsitet er erstattet av "tro uten utskeielser", som forutbestemte alt videre utvikling kultur.

Absolutismens krav til kunst... De nye statsidealene krevde av kunsten slike former som ville være forbundet med storheten til herskerne i de gamle grekere og romere. Imidlertid virket streng (rasjonell) engelsk klassisisme ikke storslått nok til å glorifisere Louis XIV - "Solkongen". Derfor tyr franske arkitekter og kunstnere til de lunefulle, sofistikerte formene til den italienske barokken.

"Great Royal Style" Hovedforskjellen: den kombinerer alvorligheten til klassiske former i arkitektur og landskapskunst med barokkens pompøsitet i interiørdekorasjonen. Mest levende realisert: Versailles (1624-1687) - favorittlandstedet til kong Ludvig XIV.

Versailles Louis Leveau (1612-1670) Det gamle jaktpalasset til Ludvig XIII ble utvidet, og i klassisismens tradisjoner ble dets sentrale akse fremhevet av front- og hageportalene. Langs tre radiale avenyer fra den østlige frontinngangen, folk fra Paris, Saint-Cloud og So verdens mektige dette. Hofkulturen i Versailles-perioden elsket slike nyanser, og Versailles-ensemblet ble brukt som et teatralsk bakteppe med det formål å storslått glorifisering av monarken.

Versailles av Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) Palasset ble utvidet takket være utvidelser. Speilgalleriet koblet sammen statskamrene til kongen og dronningen og dannet en parkfasade. Parkfasaden ga Versailles klassisk strenghet: overvekt av horisontale linjer, en enkelt flatt tak Korrespondanse ytre dimensjoner bygninger på størrelse med de indre kamrene.

Versailles av gartner-planlegger Andre Le Nôtre (1613-1700) "PARK ER seremoniell grønn arkitektur" Funksjoner ved en av de første vanlige parkene: 1. Tilstedeværelsen av et ytre gjerde, 2. Bruk av flatt terreng, 3. Aksialdeling av området ved en bred sentral bakgate med symmetrisk beplantning langs begge sider. 4. Obligatoriske elementer i parken - gressplener og blomsterbed. 5. Canal Grande, store flate reservoarer 6. Trimmede barlindespalier, radiale smug og fjerne utsikter. 7. Å underholde et stort antall gjester.

Flate reservoarer fungerer som gigantiske speil som dupliserer plassen. Radiale smug utvider den visuelt til det uendelige. Den aksiale smugen, som starter fra parkfasaden til palasset og går inn i Canal Grande, skaper inntrykk av grenseløs dybde og eksepsjonell storhet i parken, og uttrykker ideen om utilgjengelighet kongelig person. Den sentrale bakgaten, som forlater palasset i vestlig retning, "absorberer" andre smug og "flyter" inn i Canal Grande, som for at alle skoger, marker og vann i landet kunne vises for herskeren på den foreskrevne måten .

Ritualer fra "Naturens Herre" På en vinterdag dro kongen ut med følget til parken, og det viste seg at blomsterparterrene duftet med friske blomster (det er grunnen til at alle blomstene i Versailles ble plantet i potter ; det var mer praktisk å erstatte de visne). Det viste seg at tilstedeværelsen av "Solkongen" gjenoppliver planter. Ludvig XIV plantet personlig sine favorittnelliker, påskeliljer og tuberose i blomsterpotter, som hoffsmikere erstattet med blomstrende, og forsikret at hans magiske innflytelse på naturen tillot den plantede planten å utvikle seg på en dag.

Ludvig XIV - Solkongen og Apollo... Solsymbolikk, som forbinder bildet av "Solkongen" Ludvig XIV med solguden Apollo, tjente samme formål. Den vanlige utformingen av selve hagen gjenspeiler ideen om naturens sykliske natur, hvis liv kommer fra solen. Radiale smug er knyttet til solstråler. Alle hage- og fonteneskulpturer i Versailles er også underordnet mytologien om solen. Apollofontenen ved bunnen av Canal Grande representerer solguden som dukker opp fra havet på en quadriga, akkompagnert av delfiner og skjellblåsende salamander. Solen minner om allegoriske statuer av årstidene, dagene, karakterer fra gammel mytologi knyttet til Apollo, som jegerinnen Diana, søsteren hans eller den unge mannen Hyacinth, forvandlet til en blomst av Apollo.

symbolikk av palasset Symbolikken til palasset, som inntar en sentral plass i palasset og parkensemblet i Versailles, alle boligkvarterene bar preg av "ritualitet". Den viktigste "helligdommen" i palasset - kongens soverom - lå på den sentrale øst-vest-aksen og hadde vinduene vendt mot den stigende solen. Etter solen flyttet "solkongen" til seremonielle salene dedikert til gamle guder Apollo, Venus, Mars. Dagens begivenheter kulminerte i Speilgalleriet, hvor seremonier for å introdusere adelige personer for kongen fant sted, iscenesatt som en storslått teaterforestilling der kongen selv spilte førstefiolin.

Funksjoner av interiørdekorasjonen i Versailles: Temaet for solen-Apollo seiret, som en påminnelse om eksklusiviteten til Ludvig XIV. Enorme veggtepper - verdures (fra det franske Verdure - grøntområder) som skildrer landskap og jaktscener dupliserte livet til det kongelige hoffet. Pittoreske lampeskjermer som forteller om gudenes gjerninger og eventyr antydet fritiden til den allmektige herskeren. Store speil, som reflekterte parkensemblet, fremkalte illusjonen av uendelig plass der "solkongen" regjerer. Skulptur som ligner på antikk, bronse, flerfarget marmorgulv og -vegger, dyrebare møbler innlagt med skilpaddeskall og perlemor - all denne luksusen fjernet bomiljøet så langt som mulig fra livets prosa.

XVII århundre for verdenskultur 1. En av de mest betydningsfulle periodene i kulturhistorien. 2. Etter renessansen og forut for opplysningstiden, arvet han mye fra den første og forutså oppdagelsene av den andre. Hovedfunksjonæra - den samtidige utviklingen av to ledende stilsystemer - barokk og klassisisme, i nærvær av et betydelig kunstnerisk konsept av århundret - realisme

Betydningen av kulturen på 1600-tallet: For første gang gikk kunsten utover grensene for én stor, etablert stil i arkitekturen, slik den var i tidligere tider. Barokk skapte kunst full av bevegelse, energi og lidenskap. Han var besatt av impulser mot det uendelige, det transcendentale, det berørte. Klassisismen på 1600-tallet kontrasterte den spontane dynamikken i barokken med idealet om balanse, regelmessighet og rasjonalisme.

Betydningen av kulturen på 1600-tallet (2): Realismen på 1600-tallet, som oppsto som en reaksjon på kompleksiteten og abstraksjonen av senmanerismens degenererte kunst, skapte bilder der indre verden en person og det emosjonelle miljøet rundt ham ble ikke målt så mye på skalaen til hverdagen, men på evighetens skala. På 1600-tallet nasjonale europeiske kulturer, mens de opprettholdt lokal spesifisitet, nådde et så høyt nivå av fellesskap at det ble mulig å snakke om dannelsen av en enkelt verdens kunstnerisk kultur i århundret.

Spørsmål og oppgaver 1. Hvilke trekk indikerer «hagelivet» til fransk klassisisme? For å svare, bruk illustrasjonene fra oppgave nr. 17 i arbeidsboka. 2. Fullfør oppgave nr. 18 i arbeidsboken din. 3. Gjør den siste oppgaven for avsnittet "Kunstnerisk kultur på 1600-tallet" i arbeidsboken din. 4. Prosjektaktiviteter. Finn trekk ved barokkens estetikk i den omkringliggende virkeligheten. Hvordan viser det seg i arkitektur, dekor, teaterforestillinger, klær, tilbehør, mennesketyper? Identifiser forskjellene i hage- og parkarkitekturen til barokk og klassisisme i din by, regionsenter, forstadsgods i St. Petersburg og Vest-Europa.